MIDI是怎麼來的？

MIDI是什麼呢?

MIDI (Musical Instrument Digital Interface) 是電子樂器用來再彼此之間傳遞訊號的一種通信規格. 也就是說,它是一種電子樂器用來互相溝通的”語言” 聽起來很Hi-Tech吧!

自從1983年MIDI誕生之後, 整個音樂工業的生產模式就在也不一樣了. 他是繼磁帶(Magnetic Tape) 之後, 對音樂工業影響最大的發明. 不管是唱片製作，廣告音樂製作，或是電視電影的製作無一不使用MIDI技術。在品質與產量也有極大的提昇。

那麼MIDI是從哪裡來的呢? 我們來回顧一下歷史吧, 這要追溯到古早古早以前…… 其實沒有也那麼古早啦! 差不多在1960和1970年代的時候, 在這一段時期, 新樂器如電吉他(Electric Guitar), 電管風琴(Electric Organ), 電鋼琴(Electric Piano)和MIDI的主角電子合成器(electric synthesizer)開始被廣泛使用在音樂會或唱片專輯上.

當時的電子合成器都是以簡單的類比(Analog)電子元件所組成, 而且他們看起來都是大大醜醜的, 發出的聲音也是怪怪的(和當時的樂器比較), 但是這怪怪的聲音也變成他們的特色. 利用電壓的改變, 較高的電壓可使合成器產生較高的音, 相反的, 較低的電壓可使合成器產生較低的音. 當時的合成器都是利用這種電壓控制(Control Voltage or CV)的原理製造的, 在最初的時候, 這些合成器並沒有鍵盤, 而是利用許多電線(我們稱這些電線為(Patch Cords)來改變電壓的輸出途徑而改變合成器的音色與波形. 但是如果你是樂手的話, 你總不想拿一大堆電線來演奏吧, 所以後來就有CV鍵盤(CV Keyboard)的產生, 讓樂手能夠像彈鋼琴一樣演奏合成器.

這些早期的合成器只能發出單音(Monophonic), 如果你想要一次演奏很多音的話, 你可能要一次買好幾台合成器才有辦法. 這些合成器的設定相當的複雜, 而且很難保養, 但在當時, 這是樂手們創造新聲音的最好方法.

到了70年代中期, 單音(Monophonic)的synthesize像Moog以及ARP已行之有年, 如果你翻翻ELP, Genesis 或當時流行的樂團的專輯, 你一定可以發現這些synthesizer的蹤影. 這時Oberheim公司生產了第一台多音(polyphonic)的synthesizer, 它可同時發4個音, 而且有內建鍵盤, 清楚的控制鈕排列讓樂手可以很容易的調出他們想要的音色, 比起前一代的synthesizer使用起來要方便多了.
不久Sequential Circuit, Yamaha, Moog, Roland, ARP等公司也開始生產這種新型的synthesizer, 這使的synthesizer 的價格降低, 在樂手之間的使用也越來越普遍.

在多音(Polyphony)之後, 對早期synthesizer來說, 下一個重要發明應該是可程式記憶體(Programmable Memory) 的應用. 在synthesizer中有一個小型電腦, 他會監視鍵盤上的每一個鍵, 如果有琴鍵被按下, 電腦會將訊號傳送到可用的震盪器(Oscillators 在synthesizer中震盪器是產生聲音的電路), 而且電腦可以將音色的設定儲存到記憶體中, 當樂手下次要用到同一個音色時, 他可以從記憶體中叫回來, 這對現場演奏來說是一大進步.

在可程式記憶體(Programmable Memory) 的應用之前, 如果你有看過Keith Emerson或是Rich Wakeman的演唱會, 你一定會記得他們巨大的keyboard setup, 好幾台synthesize用好幾百條patch cords連接在一起, 但是只能發出一種音色, 而且需要好幾個小時的時間才能將所有的機器連在一起, 看起來雖然很壯觀, 但是很難用. 有了可程式記憶體(Programmable Memory) 一台synthesizer可以發出好幾種不同的音色, 而且只要按一按鍵就可以了, 不需要動用到上百條的patch cords來五花大綁.

可程式記憶體(Programmable Memory) 的應用的確使synthesizer比以前好用了好幾倍. 但是在使用這些早期的synthesizer就好像再開不同廠牌的車子一樣, 每台synthesizer都有他們自己的特性, 有些是有鋼琴的音色, 有些是弦樂的音色, 又有些是銅管樂器的音色. 樂手下一個面對的問題就是如何將這麼多的synthesizer整合在一起, 變成一個有效率的音樂系統. 當時也因此有一些樂手發展出一些非常特殊的演奏技巧, 其中要以爵士樂團Weather Report的keyboard手Joe Zawinul為代表, 在演出時, 他會坐在兩台APR2600 synthesizer中間, 其中一台的keyboard被改造成高音在左邊, 低音在右邊, 剛好與一般的keyboard完全相反, 那當然Zawinul先生也要練就一手特殊的指法, 這種彈法的確為他樹立獨特的風格. 不過呢? 這些特殊的演奏方式並不是一般樂手可以輕鬆做到的, 直到了1979年, 樂器製造廠商才有了比較 “輕鬆” 的解決方法.

1979年樂器製造廠商Oberheim, Rhodes和Roland 在他們synthesizer的背面加裝一個介面卡, 同型的synthesizer可以經由這個介面卡互相連接, 比如Oberheim 的 OBX synthesizer 可以與其他的 OBX synthesizer連接, 當你再一台OBX上演奏時, 其他的OBX也會同時發出他所設定的音色, 也就是說樂手可以將音色一層層的疊上去, 對音色的品質是一大改進, 但如果要將不同型號及不同廠牌的synthesizer連接在一起呢?

第一個著手來解決這個問題的人是爵士樂手Herbie Hancock, 他花了一筆錢將自己所有的synthesizer keyboard改裝, 所以它可以同時演奏不同廠牌的synthesizer, 雖然它不是標準的介面, 可是那是第一次不同廠牌的synthesizer可以連接在一起使用. 在此之後, 有越來越多的Rock及Jazz樂手要求樂器廠商修改他們的synthesizer, 好讓他們可以連接在一起. 這時候樂器製造廠商才了解到標準介面的需求, 另一個促使樂器製造廠商發展標準介面的原因是數位序列器(Digital Sequencer, 數位序列器是一個可以記錄並且撥放樂手在電子樂器上演奏的裝置)的出現.

To be Continued...